As pinturas de Marcus Leotaud são uma meditação evocativa em Crepúsculo

“Estou interessado nas partes que faltam … nas lacunas e naqueles momentos em que não conseguimos nos ver claramente”, diz o artista Marcus Leotaud. Em sua nova exposição solo, Entre cachorro e lobo Na fábrica de bombas, Marylebone, Leotaud – que cresceu entre Trinidad e o Reino Unido – usa a pintura para investigar os limites da visibilidade: do que é mostrado, do que é retido e o que custa para ser visto.

As grandes telas de linho ficam sob iluminação de baixa galeria, suas superfícies foscas bebendo na luz da rua que filtra a galeria. VELADO em vermelhos, laranjas e roxos machucados, as paisagens pintadas parecem suavizadas e se dissolvendo no entardecer. À medida que o olho se ajusta à paleta moderada e superfícies texturizadas, as impressões fracas de figuras e formas quase não estão surgindo. Em uma pintura, dois amantes estão trancados em um abraço apaixonado, enquanto em outro, um ocelot se aproxima com seu olhar penetrante, travando os olhos com o espectador. Em outros lugares, as águas dos canais de Veneza ondulam e desaparecem, como se fossem capturados em um etono eterno.

A exposição tenta oferecer uma meditação sobre o crepúsculo, e não apenas o desbotamento da luz, mas o escorregamento da certeza na hora do crepúsculo. O título vem da expressão francesa Entre cachorro e loboreferindo -se à hora da ambiguidade quando “você não pode realmente dizer o que está olhando”, explica Leotaud. “É algo amigável? É uma ameaça?” A frase, como o trabalho, mantém uma contradição na tensão, aludindo a aquele breve momento em que você não sabe dizer se o que está olhando é amigo ou ameaça. Leotaud insiste nessa ambiguidade, explicando: “Não sinto que estou tentando transmitir uma mensagem específica”. A hora do crepúsculo se torna não apenas um cenário, mas uma metáfora para o meio: um espaço no qual Leotaud está interessado em suas pinturas habitarem em vez de resolver.

No estúdio, as pinturas de Leotaud geralmente começam com imagens encontradas, desde fotos de filmes a iconografia religiosa e fotografias ou cenas pessoais da memória. “Algumas imagens são pessoais”, diz ele. “Outros vêm de filmes como Edward Yang‘s Um dia de verão mais brilhante (1991). Uma pintura é uma cena pouco antes do personagem principal matar a garota que ele ama. ” Cenas bíblicas Como Judas beijando Jesus também são referenciados, não por seu significado religioso, mas por seu poder narrativo. “Se ele (Judas) tivesse esperado um pouco mais, ele teria visto a ressurreição. Mas ele não podia. Esse tipo de momento-o momento antes-é o que eu continuo voltando nas pinturas.” Esses momentos ‘antes’ animam o peso emocional da exposição. Os trabalhos são figurativos, mas resistem à clareza, como se deliberadamente retenha a compreensão total. “As próprias pinturas carregam esse senso de ambiguidade”, diz Leotaud. “Não estou tentando soletrar tudo … todo mundo traz suas próprias interpretações e eu gosto disso.” Seu abraço de contradição é central para sua prática artística: “faz parte da luta: como dizer algo e ser entendido, mas também não seja totalmente compreendido”.

As telas em si são meditações silenciosas e cintilantes. Leotaud trabalha com materiais naturais, usando linho, pigmento e cola de gelatina para criar superfícies foscas que absorvem em vez de refletir a luz. “É muito fosco”, ele explica, “então as cores passam (na tela) de maneira diferente … principalmente, parece que a luz está sendo puxada para a superfície”. Nos tons de lavagem macia de vermelhos no sangue, verduras da floresta e roxos violeta escuros, surgem figuras fantasmagóricas. Essa ambiguidade é mais do que uma estratégia formal; Fala com preocupações emocionais e espirituais mais profundas. Algumas das paisagens de Leotaud se extraem de sua educação em Trinidadian, onde os encontros com o mundo natural foram marcados pelo perigo. “Em Trinidad, os animais são extremamente tímidos … ser visto significa ser morto.” Suas pinturas capturam não o próprio mundo natural, mas o desejo dolorido de se conectar a ele: uma intimidade ansiava por e fora de alcance. “Acho que os dois principais temas são intimidade e inacessibilidade”, ele reflete, “seja com pessoas ou com o mundo natural”.

Em algumas das telas oval, as pinturas brincam com idéias de repetição e tempo. A mesma cena renderizada em diferentes horas do dia ou em diferentes estados se torna um estudo sobre como a percepção altera o significado: um desdobramento não linear onde a memória, a luz e a emoção circundam sobre si mesmas. “Fiz uma série da mesma cena em momentos diferentes”, reflete Leotaud, “para ver como a luz ou a atmosfera poderia mudar todo o sentimento”. Até o processo material reflete essa ideia. Trabalhando com o Disseper, à base de cola, Leotaud cria texturas que parecem manter o traço de cada gesto. “Aprendi que esfregar a superfície constrói mais do que escová -lo … cria essas áreas que parecem quase como pedra”. Como a memória, essas superfícies são colocadas em camadas, esfregadas e desgastadas. Eles nunca são fixos.

O que significa habitar em ambiguidade ou incerteza em vez de resolvê -la? A intimidade pode sobreviver sem reconhecimento total? Leotaud insiste em uma certa opeidade, e isso parece estar no ponto de suas pinturas. Suas pinturas vivem nessas lacunas, no momento nebuloso de tentar distinguir entre cachorro e lobo, entre saber e não saber, entre o presente e o que vem a seguir.

Entre cachorro e lobo por Marcus Leotaud está em exibição na fábrica de bombas Marylebone em Londres até 20 de abril.