‘Noah Davis’ no UCLA Hammer Museum revela o brilho do artista

A pesquisa modesta, mas pungente de pinturas de Noah Davis, no Museu da UCLA Hammer é um evento de boas -vindas. É um longo caminho para desmitologizar o artista nascido em Seattle, que foi derrubado por um raro câncer de lipossarcoma em 2015, quando ele tinha apenas 32 anos.

O programa afirma seu presente pelo que era: Davis era um pintor, uma voz negra profundamente atenciosa e idiossincrática ouvida por outros artistas e aficionados, mesmo quando seu trabalho estava em desenvolvimento revigorante. Artistas talentosos geralmente entram em uma expressão constantemente madura em seus 30 anos, o momento em que o crescimento acelerado de Davis foi brutalmente interrompido. As três dúzias de pinturas do programa são compreensivelmente desiguais, mas quando Davis era bom, ele era realmente muito bom.

Essa capacidade intrigante ressoa na primeira foto, “40 acres e um unicórnio”, que fica sozinho na entrada do programa para marcar o início de sua carreira. Davis tinha 24 anos e estudou na Cooper Union, em Nova York, e na Escola de Artes da Mountain, administrada por artistas em Chinatown, em Los Angeles. A pintura de 2007 não é grande – 2 ½ pés de altura e um pouco mais estreita – mas lança um feitiço.

Na arte ocidental, um homem em um cavalo é um formato clássico que representa um herói, mas aqui Davis fica um jovem negro montado em um unicórnio mítico – principalmente branco – sua buzina bege amanteigada brilhando em meio à paleta neutra da pintura. É fácil ver os jovens como significando o artista e o substituto de um cavalo histórico de arte também em uma mula. Esse animal foi famosa prometido a milhares de pessoas anteriormente escravizadas perto do final da Guerra Civil, juntamente com 40 acres de terra confederada em que haviam trabalhado, descompensado e abusado, tornando a classe branca rica em plantador.

A promessa de 1865 de redistribuir terras confiscadas como restituição aos afro -americanos por sua escravização não durou um ano antes de serem anulados – reparações como raras, únicas e desejáveis ​​como um unicórnio, oferecido por uma classe dominante branca não confiável. (Se a redistribuição de 1865 tivesse acontecido, imagine onde poderíamos estar hoje, pois as crueldades racistas iniciadas pelo governo federal estão correndo desenfreadas.) Davis, colocando seu pelo menos eu simbólico nas costas do unicórnio, afirma claramente sua confiança social e cultural. A arte é a imaginação tornada real e, como um artista negro americano, ele vai avançar.

Talvez o recurso mais bonito da tela seja a rica pele de tinta acrílica preta dentro da qual ele e seu corcel, ambos renderizados em véus macios de guache fino, estão incorporados. A abstração preta luminosa que domina a superfície foi visivelmente pintada após as figuras, que parecem estar sendo mantidas em seu abraço.

Trinta e nove pinturas sobre tela e 21 no papel são instaladas cronologicamente, os trabalhos em papel selecionados a partir de 70 fabricados durante a longa hospitalização de Davis. A camada de topicicidade, sensibilidade à cor, ancestrais históricos de arte e figuração e abstração em “40 acres e um unicórnio” se repete durante todo o breve período de oito anos que está sendo pesquisado. (O show de viagem foi organizado por Londres Galeria de arte Barbican com Das Minkuma sala de exposições em Potsdam, Alemanha.) A pintura mais abstrata está em uma parede por si só na próxima sala, e demonstra as estratégias exploratórias incomuns de Davis.

Intitulado “Nobody”, uma forma geométrica de quatro lados é apresentada em tinta plana de casa roxa no linho, um metro e meio quadrado. A diferença em camadas de materiais – uma imagem construída a partir de tinta prática e doméstica em um apoio refinado e artístico – é notável. A forma irregular, por mais bidimensional, parece pairar e se inclinar no espaço dinâmico. Ele sugere um riff de 2008 sobre o longo e rico legado das abstrações geométricas radicais e revolucionárias de Kazimir Malevich a partir de 1915.

Noah Davis, “ninguém”, 2008, tinta doméstica em linho

(Christopher Knight / Los Angeles)

A referência à vanguarda russa lembra que a arte de Malevich foi apelidada de suprematismo, que deixou de lado a hierarquia acadêmica das regras estéticas em favor da “supremacia do puro sentimento artístico”, mais famoso representado como uma praça negra pintada. Aqui, ele se torce em um jab inevitável em um mundo artístico moderno ostensivamente liberal, ainda de fato dominado pela supremacia branca não examinada.

“Ninguém” tece juntos arte e história social de maneiras surpreendentes. É uma das três abstrações geométricas que Davis fez, suas formas com base no contorno do mapa de um estado de campo de batalha no ano eleitoral revolucionário que levou Barack Obama à presidência.

O Colorado, um estado cuja forma é um retângulo simples, virou de George W. Bush em 2004, enquanto a cor secundária da escolha de tinta roxa de Davis foi criada combinando dois pigmentos primários – vermelho e azul. A cor Purple também carrega sua própria referência reconhecível e ressonante, incorporada na consciência popular para o romance premiado Pulitzer, frequentemente vencido por Alice Walker, e o filme de sucesso de Steven Spielberg, um titular de distinção duvidosa, empatada para mais indicações do Oscar (11) sem uma única vitória. O retângulo roxo torqueado de Davis parece estar no meio do deslizamento.

O fato de Davis exibir, mas finalmente pintou sobre os outros dois trabalhos em sua série geométrica, pode sugerir alguma insatisfação com sua natureza reconhecidamente obscura. (“Ninguém” quase exige notas de rodapé.) Ele voltou a pintar a figura – “alguém” – mas muitas vezes a incorporava em campos abstratos visualmente suntuosos. A cobertura por trás de “Mary Jane”, uma jovem menina em uma pina listrada, visualmente uma prima da garotinha envolvida em nuvens a vapor de locomotivas no “The Railway” de Édouard Manet, é uma arena maravilhosa de formas verde espectral, cinza e preto.

Noah Davis, “Mary Jane”, 2008, petróleo e acrílico na tela

(Kerry McFate)

O mesmo acontece com a floresta de “The Missing Link 6”, onde um caçador com um rifle fica em silêncio na base de um enorme tronco de árvore, praticamente secretado na paisagem, como algo que ferveu a densa folhagem em uma floresta de cortesia de Gustave. O título de Link Missing declara a intenção de Davis de se juntar a uma cadeia de artistas evolutivos, o caçador escondido adicionando um elemento de surpresa.

A história da arte é enfiada durante todo o trabalho de Davis. (Ele passou tempo de pesquisa produtiva trabalhando como funcionário da Art Catalogs, o final DAGNY CORCORANA famosa livraria, quando estava na localização do MOCA Pacific Design Center.) A tensão entre a arte estabelecida e a nova, que procura reconhecer simultaneamente a grandeza no passado enquanto derrubando suas deficiências de classificação, é frequentemente palpável. Em nenhum lugar a pressão parece mais enfaticamente do que no knockout “1975 (8)”, onde a exuberância alegre entra em cena, enquanto as pessoas se afastam em uma piscina.

O assunto – banhistas – é tão fundamental para a arte moderna quanto é, conjurando Paul Cézanne. Enquanto isso, a piscina é identificada por excelência com Los Angeles. (Outra pintura de piscina fina, “The Missing Link 4”, possui um edifício modernista de Detroit como pano de fundo, pintado como uma grade de retângulos de cores que lembram um David Hockney, um Ed Ruscha ou um Mark Bradford.) Bathers são um sinal artístico para a vida que se arrasta na costa da Primeira Ooze ou a pastagem, a parte pastagem, para a vida, para a vida que se arrasta na costa da Primordial Ooze.

Para a América, a piscina também é um local segregacionista arquetípico de crueldade e exclusão histórica. Davis apreendeu a contradição.

A drenagem de piscinas públicas para evitar a integração após os avanços dos direitos civis aconteceu em inúmeros lugares. Ele mostrou a profundidade auto-lacrente à qual o ódio irracional pode descer, como a advogada de políticas Heather McGhee escreveu em seu livro excepcional, “A Soma de nós: o que o racismo custa a todos e como podemos prosperar juntos”. As pessoas estavam dispostas a prejudicar todos em uma comunidade, desmontando uma comodidade pública popular, em vez de aceitar total igualdade. Em “1975 (8)”, a data do título está dentro de apenas alguns anos da decisão terrível da Suprema Corte em Palmer vs. Thompsonque deu bênção oficial ao prático insensível que McGhee registrou.

Noah Davis, “The Missing Link 4”, 2013, petróleo sobre tela

(Robert Wedemeyer)

A composição da pintura de 2013 é baseada em uma fotografia tirada pela mãe de Davis quatro décadas antes. Uma banda horizontal azul brilhante em uma paisagem urbana é pontilhada de cabeças calmamente balançando. Um mergulhador masculino pulando visto por trás domina o primeiro plano inferior, inclinado em direção à água. As solas de seus pés descalços cumprimentam nossos olhos, alinhando -nos atrás dele como ao lado de mergulhar.

Davis suspende o mergulhador aéreo no espaço, uma figura de repousoir projetada para nos levar visualmente à cena. Como o piloto unicórnio, ele assume o perfil metafórico do artista. Um momento de transição antecipado é congelado, tornado perpétuo. Esperando a nossa vez, nos deixamos para contemplar as solas de seus pés-um símbolo familiar da humildade que segue o caminho, seja na pintura italiana renascentista de Andrea Mantegna de um “Cristo morto” ou inúmeras esculturas asiáticas de Buda.

A maravilhosa pintura foi feita em um momento crucial. Um ano antes, Davis e sua esposa, escultor Agora Davisjuntou -se a quatro lojas em Washington Boulevard em Arlington Heights para criar o Museu Underground. Seu objetivo era criar um espaço cultural de gerência familiar auto-descrita em um bairro preto e latino. (O dinheiro veio de uma herança de seu pai recentemente falecido, com quem Davis estava próximo.) Um ano depois, a ambiciosa startup se expandiu quando o projeto assumiu o aclamado museu de arte contemporânea como parceiro organizador. Um quarto do show inclui maquete de esculturas clássicas-imitações-de Marcel Duchamp, Dan Flavin, Robert Smithson e Jeff Koons, que Davis fez uma exposição para referir o clássico filme de Douglas Sirk de 1959 sobre identidade racial, “imitação da vida”. As apropriações ricochete das imitações feministas de Andy Warhol e Frank Stella pinturas que Elaine Sturtevant começou a fazer na década de 1960.

Nem todas as pinturas de Davis são bem -sucedidas, o que é de se esperar de seu foco juvenil e experimental. Um grupo ambicioso que faz referência a programas estridentes de conversação diurna de TV de artistas como Maury Povich e Jerry Springer, por exemplo, tenta lutar com sua exploração inútil de questões de identidade como entretenimento – testes de paternidade de DNA e tudo. Mas um vislumbre de “Maury” com uma pintura mondriana nítida pendurada ao fundo apenas cai. A justaposição da vulgaridade bagunçada da arte popular com as aspirações primitivas da alta arte é surpreendentemente sem envolver.

Ainda assim, a maior parte da exposição recompensa muita atenção. Faz com facilidade o que uma retrospectiva do museu deve fazer, protegendo a reputação do artista. De qualquer forma, são apenas uma lasca de cerca de 400 pinturas, esculturas e desenhos que o artista teria feito. O que mais puder aparecer no futuro, a seleção atual no Hammer representa o brilhante início da carreira abreviada de Davis. Esqueça a mitologia; A realidade do programa é melhor.

Noah Davis, “Imitação de Jeff Koons”, 2013, mídia mista

(Christopher Knight / Los Angeles Times)