Na linguagem, os mundos da arte e do esporte não estão tão distantes. Ambos falam de pesos pesados, maestros, técnica magistral e a exposição de talentos. Seus fins também se aproximaram na era da Mega Fair e no mercado de leilões hipercompetitivos. Por um tempo, a arte era esporte, pelo menos nas Olimpíadas. Até 1948, os artistas competiam por medalhas no “pentatlo das musas”, enviando trabalho inspirado no esporte em arquitetura, literatura, música, pintura e escultura.
Na era do pós-guerra, quando a arte entra no campo do esporte, normalmente não venera o atletismo humano, mas cutucar, investigar e criticar, como mostram essas oito obras.
Andy Warhol, Muhammad Ali (1978)
Andy Warhol, Muhammad Ali (1978). Foto: Cortesia do Museu Andy Warhol, Pittsburgh.
Após as latas de sopa, as estrelas do cinema, os ícones políticos e os retratos de animais de estimação vieram os atletas. Andy Warhol não era fã de esportes, e foi apenas a mago de Richard Weisman, um colecionador louco por esportes, que o rei da arte pop voltou o olhar. Warhol estava, no entanto, interessado na violência americana (como mostrado em sua série de morte e desastre) e, portanto, encontrou um assunto natural em Muhammad Ali, então três vezes campeão mundial.
Ao contrário das impressões de tela anteriores, Warhol trabalhou com suas próprias fotografias com Ali. Ele viajou para o campo de treinamento do boxeador na zona rural da Pensilvânia e atirou em 50 polaroids, escolhendo quatro. Eles são incomuns. Em contraste com sua personalidade pública, Ali parece calmo, introvertido e desapaixonado. De alguma forma, seu punho parece menos ameaçador, como se o homem estivesse diferente uma vez do centro das atenções. Mesmo assim, Ali logo se juntou a Mao, Marilyn Monroe e Mick Jagger na venda a US $ 25.000 por pop. Ali não podia acreditar que as pessoas pagariam muito por uma foto de “este pequeno Kentuckiano”. A modéstia, é claro, era falsa.
Jean-Michel Basquiat, Atletas negros famosos (1981)
Fora da parede e para a página: essa é a lenda atrás do desenho de Jean-Michel Basquiat e agora icônico. No final da década de 1970 e início dos anos 80, Basquiat cobriu Manhattan inferior sob a etiqueta do Samo ©, exigindo a atenção do mundo da arte da melhor maneira que o jovem, preto e desconhecido, sabia como. Funcionou em Glenn O’Brien, o crítico e a personalidade do centro da cidade. Depois de avistar um mural gigante de três rostos negros e as palavras “famosos atletas negros”, ele disse a Basquiat que era a melhor coisa que ele já viu. No dia seguinte, o artista presenteou O’Brien uma versão no papel.
Atletas negros famosos (1981) transfere a energia da arte de rua para a página, oferecendo uma fileira de rostos desenhados com intensidade furiosa. Eles são anônimos e inescrutáveis, sugestivos da maneira como a América (gesticulada nas caixas vermelhas e azuis rabiscadas com amarelo) trata seus atletas negros. “A peça era política”, disse O’Brien. “Apresentou, então, como a sociedade esperava que os negros fossem atletas e não os pintores”.
Hank Willis Thomas, Liberdade (2015)
Hank Willis Thomas, Liberdade (2015). Foto cedida pelo Museu Brooklyn.
Hank Willis Thomas ganhou tração no mundo da arte com suas fotografias de corpos negros marcados com o Swoosh da Nike. As imagens em close-up de torsos cinzelados e cabeças raspadas parecem perversões de anúncios brilhantes. Thomas estava preocupado com o consentimento da Nike ao domínio global através da exploração de Michael Jordan. Enquanto que antes que o corpo negro fosse marcado como um sinal de propriedade, agora era marcado como um meio de gerar receita – a silhueta da Jordânia sozinha capaz de vender milhões de pares de sapatos.
Quando Thomas introduziu a escultura em sua prática uma década depois, esse foco nos esportes e o corpo negro permaneceu. Um desses trabalhos é Liberdade (2015), uma escultura de fibra de vidro de um metro e oitenta de altura de um braço bem em tons, equilibrando uma bola de basquete na ponta do dedo. O braço foi retirado de um elenco do jogador aposentado da NBA Juwan Howard e a própria imagem foi puxada de uma edição de 1986 da Revista Life em que um harlem globetrotter posa em frente à estátua da liberdade. Com seu título provocador e removendo uma parte/imagem do corpo de seu contexto, Thomas nos obriga a pensar no todo – e com ela a história que está ausente.
Jeff Koons, Um tanque de equilíbrio total de uma bola (1985)
Jeff Koons, Um tanque de equilíbrio total de uma bola (Spalding Dr.J Silver Series (1985)
Imagem: Cortesia da Christie’s Images Ltd.
No início dos anos 80, os Koons ficaram obcecados com o conceito de equilíbrio. Para ele, refletiu o espírito humano, cheio de sonhos crescentes, mas verificado pela gravidade da realidade. O veículo que ele imaginava para a metáfora era um solitário basquete infinitamente suspenso em um tanque de água. Era um riff no Duchamp Readymade, apontando para o consumismo americano e a promessa de mobilidade social.
Em Koons dizendoele se agachou em bibliotecas e abriu sua física. Pesquisas sugeriram que o feito era impossível em um pequeno tanque e ele ligou para Richard Feynman, o físico vencedor do Prêmio Nobel.
Depois de dois anos, foi encontrada uma resposta. O basquete foi bombeado com água e dois terços do tanque foram preenchidos com uma solução de sal refinado e água destilada. O terço restante foi cuidadosamente derramado no topo do tanque para que a bola flutuasse em vez de sentar -se em sua superfície. Mesmo assim, com o tempo, as duas águas se misturam por meio de vibrações e mudanças de temperatura e o basquete afunda. Uma metáfora adequada em si.
Elmgreen & Dragset, Conto (2020)
Elmgreen & Dragset, Conto (2020). Foto: 66Jiang.
Aos olhos da dupla de artistas escandinavos Elmgreen & Dragset, as atividades de lazer de hoje são excessivamente prescritas e pesadas pelas regras. Pegue o jogo de tênis, o cenário para Conto (2020), que eles instalaram na nave de St Agnes, a igreja brutalista transformou o espaço de exposição de König Galerie em Berlim.
A princípio, a cena parece comum: um retângulo laranja dividido por uma rede e governado por linhas brancas familiares. Faça uma volta do tribunal e essa impressão desaparece. Em cada lado da rede, há uma escultura de bronze lacada branca de um menino. Alguém está de bruços em exaustão, sua raquete se afastou, aparentemente desanimada após a derrota. Os outros rostos longe de seu concorrente segurando um troféu de prata. Apesar da vitória, ele parece abandonado. Seus ombros estão caídos, sua expressão sombria.
Conto questiona nossa sociedade individualista e hipercompetitiva e o custo do sucesso. É uma metáfora no instantâneo, um assistido por uma terceira escultura: um homem envelhecido desperdiçou o meio sono em uma cadeira de rodas. O que fazer dele não é totalmente claro e, segundo Elmgreen & Dragset, é precisamente o ponto.
Ernie Barnes, Homecoming (1994)
Ernie Barnes, Homecoming (1994). Foto cedida por The Artist e Andrew Kreps Gallery, Nova York.
Mais tarde, muito depois de desligar as almofadas e pegar a paleta em tempo integral, Ernie Barnes admitiria que, mesmo durante seus dias de jogo, seu coração sempre havia sido mais arte do que futebol. Antes das quatro temporadas como atacante ofensivo na Liga Americana de Futebol, Barnes era atleta de estrela da Universidade Central da Carolina do Norte e estudava arte sob Ed Wilson, o escultor afro -americano. Wilson incentivou Barnes a se concentrar no corpo em movimento e a pintar de suas próprias experiências – quando o fez nas linhas laterais do Denver Broncos, no entanto, ele foi multado.
Homecoming (1994) segue a orientação de Wilson. Uma banda de marcha intocada se move em perfeita bloqueio com uma marcha que lembra atletas que passam. Em primeiro plano, os espectadores giram, posam e influenciam, levados pela música em uma celebração da alegria negra que ecoa a cena da pintura mais conhecida de Barnes, A cabana do açúcar (1976).
Situado em um cruzamento em Durham, Carolina do Norte, que marca a mudança do centro para a área de negócios e residenciais negros, é uma homenagem às bandas da HBCU e o senso de esportes comunitários pode trazer. Como Barnes colocou: “A cadência de ritmo acelerado e de alto escalão ‘, acionado por alma, fez com que todos se sentissem bem e se moveram em sincronia com a música. Os jovens, os velhos, aleijados e decrépitos, todos vibraram por dentro de alegria. ”
Trenton Doyle Hancock, COMPO COMPRO (2023)
Vista de instalação do CAMH Court. Foto: Cortesia do Museu das Artes Contemporâneas Houston e Francisco Ramos.
Para Trenton Doyle Hancock, a prática é brincar. O artista de Houston considera suas pinturas grandes brinquedos e seu estúdio um playground aberto. Este ethos artístico tornou -se literal com COMPO COMPRO (2023), no qual Hancock instalou uma quadra de basquete jogável dentro do Museu de Artes Contemporâneas Houston.
Hancock encheu o tribunal e seus fundos com seus personagens Bringback, criaturas humanóides em preto e branco que pertencem ao universo de desenhos animados do artista. Um desafio foi a forma do paralelogramo da galeria, que forçou o artista a contorcer um tribunal de regulamentação no espaço (com uma pequena ajuda da Adidas). “A quadra de basquete é altamente dinâmica e gera um novo tipo de jogo”, disse Hancock. Mesmo assim, este jogo tinha regras, pintadas de preto em uma parede de galeria branca. Isso incluía a assinatura de uma renúncia, vestindo sapatos de borracha e a última de todos para “se divertir”.
Matthew Barney, Secundário (2023)
Matthew Barney, Secundário (2023). Foto: Galeria de Cortesia de Gladstone.
Durante um jogo de futebol de exibição em 1978, o wide receiver do New England Patriots, Darryl Stingley, ficou paralisado por toda a vida quando um atacante de Jack Tatum, defensivo de Oakland Raiders, quebrou sua espinha. Um jovem Matthew Barney estava assistindo na televisão e, em sua narrativa, o acidente o cativou, aprofundando seu amor pelo esporte.
Em Secundário . Para fazer isso, Barney encheu seu estúdio de Long Island City com as armadilhas do esporte: um relógio de LED gigante é afixado na parede do lado de fora e astroturf, iluminado por holofotes, cobre o chão. Um jumbotron no meio -campo, juntamente com telas no canto, mostra Barney entre os atores que realizam versões cáusticas dos rituais do esporte. O tempo todo, o relógio marca até o clímax brutal.
Lingering to um lado está uma trincheira de um metro e oitenta de profundidade na fundação do estúdio, expondo-a às marés de East River, um lembrete contundente de que toda a estrutura está quebrada.
