Los Angeles não é um centro de dança nem um deserto de dança. Não temos muita história de grandes empresas de balé. Temos uma infinidade de empresas menores – modernas, clássicas e internacionais.
Você pode ter que procurá -lo, mas em algum lugar alguém está sempre dançando para você.
Eu experimentei três programas de dança muito diferentes no fim de semana passado em três locais distintos em três cidades díspares e para três tipos de público. O alcance era enorme, mas as conexões, esclarecendo.
No extremo grande da escala, o Miami City Ballet trouxe sua recente produção de “Swan Lake” para o Segerstrom Hall em Costa Mesa – iniciando uma série de versões variadas do amado balé de Tchaikovsky neste verão. Será a vez de Boston Ballet no Music Center neste fim de semana. O balé de São Francisco também entra em ação, dançando trechos no Hollywood Bowl como parte da Filarmônica de Los Angeles deste ano “Tchaikovsky Spectacular”.
Em um palco sonoro da cidade de televisão no distrito de Fairfax, o American Contemporary Ballet, uma companhia de dança de Los Angeles por excelência que explora locais incomuns na cidade, está apresentando a clássica modernista de George Balanchine “Serenade”, junto com um novo trabalho do fundador da empresa, coreógrafo Lincoln Jones. Enquanto isso, no sábado à noite, violinista Vijay Gupta E a dançarina Yamini Kalluri se misturou a Bach e a tradição da dança indiana de Kuchipudi no Sierra Madre Playhouse de 99 lugares.
O Ballet de Miami City atraiu a atenção para montar o que está sendo chamado de “lago cisne” historicamente informado pelo notável coreógrafo treinado por bolhoi, Alexei Ratmansky. Ele fez o possível para recriar a produção de 1895 no Mariinsky Theatre, na cidade natal de Ratmansky, em São Petersburgo.
O desempenho historicamente informado, ou quadril, é um termo carregado, e “Swan Lake” é um balé carregado. Hip surgiu quando o movimento musical inicial descobriu que tentar recriar, digamos, a maneira como uma ópera de Handel poderia ter soado no século 18 usando instrumentos de época com o que se acreditava ser técnicas de prática do período se mostrou chato. Eventualmente, o movimento percebeu que o uso dos instrumentos antigos de maneira alegre, imaginativa e contemporânea fez a música soar recentemente vital e ainda mais quando a encenação estava surpreendentemente atualizada.
O “Lago de Swan” reconstruído de Ratmansky faz muito oposto com instrumentos modernos e balé à moda antiga, e começou um começo desorientador no domingo à noite. A introdução de Tchaikovsky foi tocada brilhantemente pela Sinfonia do Pacífico em um corredor escuro, destinado a nos preparar para entrar em um mundo diferente. Mas a orquestra moderna e os telefones de audiência distraidamente brilhantes serviram apenas para nos lembrar que é 2025.
As orquestras do final do século XIX tinham instrumentos mais leves e mais animados, uma qualidade que correspondia à coreografia da época. Mas quando a cortina de domingo subiu para cenários arcaicos, figurinos, coreografia e atuação, sentiu, nesse contexto, como vagando em uma loja de antiguidades brega.
Dito isto, Ratmansky tem muito a oferecer. Voltar a 1895 pode, de fato, sinalizar a novidade. Não existe uma versão definitiva de “Swan Lake”. Tchaikovsky o revisou após a primeira versão de 1877, mas morreu antes de terminar o que se tornou a versão um tanto padrão em 1895. Mesmo assim, coreógrafos, dançarinos, produtores e até compositores adicionaram seu valor de dois centavos. O balé pode terminar em triunfo ou tragédia. Siegfried e sua Odette da noiva de cisne podem, individualmente ou juntos, viver ou se afogar. “Swan Lake” tornou -se tão familiar que os enfeites modernos se tornam muito mais de bagagem.
Nesse sentido, o compromisso de volta ao futuro de Ratmansky com a modernidade é um excelente local de partida para repensar não apenas um balé icônico, mas o próprio balé e as origens de sua beleza singular. Os dois atos de cisne exibem uma delicadeza unida.
Cameron Catazaro, um Siegfried e Samantha Hope Galler, um odette docemente inocente e um odile vivaz, podem ter sido figuras magicamente maravilhosas uma vez em movimento. O significado foi encontrado no salto impetuoso de Siegfried e no Swan negro estudaram 32 Fouettés. Tudo o mais foi distração.
Esse é precisamente o próximo passo que Balanchine deu 40 anos depois, em 1935, com sua “Serenata”, que usa a “Serenata for Strings” de Tchaikovsky, escrita logo depois que ele compôs “Swan Lake”. No primeiro balé de Balanchine desde que chegou aos EUA em 1933, o coreógrafo russo-georgiano queria criar um novo tipo de balé para um novo mundo-sem história, apenas um design de tirar o fôlego.
Embora a ACB não tenha mencionado o fato, Balanchine se mudou para Los Angeles em 1938, três anos após a estréia americana de “Serenade”, para uma casa a poucos quarteirões da Fairfax Avenue da cidade de televisão. Nos poucos anos que passou em Hollywood, ele desempenhou um papel significativo em fazer dança para os filmes que encantavam o mundo.
O ACB, no entanto, parecia ter filmes em mente no palco sonoro escuro, com os dançarinos iluminados como se em um filme em preto e branco. Mas com o público em arquibancadas muito perto do palco improvisado, os músicos invisíveis atrás dos assentos e os dançarinos de perto, também houve uma intimidade gritante que expôs o esforço exigente em recriar a beleza dos passos de Balanchine. O efeito estava no momento e, ao mesmo tempo, entrando no futuro.
“Serenade” foi precedido pela estréia de “The Euerpides”, um balé curto com uma pontuação de Alma Deutscher. A compositora britânica, pianista, violinista e maestro britânica de 20 anos escreveu sua primeira ópera, “Cinderela”, que foi produzida pela ópera San José e outros lugares, às 10.
Cada variação em uma música de valsa vienense para cordas e piano representa uma das musas gregas clássicas. A pontuação parece que poderia ter sido escrita nos dias de Tchaikovsky, embora Deutscher use técnicas contemporâneas para revelar o personagem de cada musa. “Pneume”, a deusa da respiração, recebe uma batida extra aqui e ali, distorcendo um pouco o ritmo.
Jones confia em um vocabulário de dança, evoluiu de Balanchine, para as cinco mulheres, cada uma delas uma musa, bem como o mortal masculino empregado para um Pas de Deux final. A história, aqui, sobrecarrega a nova encenação em um ambiente contemporâneo de sonda.
Gupta faz a conciliação mais forte entre o então e o agora em seu brilhante “quando o violino”. Na superfície, ele convida uma troca cultural intrigante, realizando o violino solo de Bach Partita No. 2 e Sonata No. 3, com Kalluri explorando maneiras pelas quais ela pode expressar humor ou encontrar atividade rítmica em movimentos selecionados. Ela usa vestido moderno e está tão sintonizada com a música que a separação de culturas parece tão prontamente considerável quanto a dos períodos históricos.
Bem conhecido em Los Angeles, tendo ingressado no Phil em 2007 aos 19 anos, Gupta passou a fundar a Street Symphony, que serve comunidades sem -teto e encarcerado, e para se tornar um inspirador Ted Talker. Ele recebeu uma bolsa de MacArthur e, desde que deixou o Phil, um artista regular pela cidade em programas de câmara e toca um violino barroco no conjunto musical de Los Angeles.
Para “quando o violino”, Gupta emprega um instrumento moderno em um estilo contemporâneo altamente expressivo, mantendo notas e expandindo o tempo como se um sarabande pudesse se transformar em uma raga. Ele faz uma pausa para recitar poesia, seja sufi ou rilke. Seu tom é grande, ousado e emocionante, especialmente na maravilhosa acústica deste pequeno teatro. As peças de Bach são amarradas pelo compositor Reena Esmail, afetando o solo de “When the Violin”, no qual os mundos de Bach, música indiana e dança kuchipudi parecem vir do mesmo sentimento profundo de pertencer e pertencer aqui e agora.
Levou apenas um violinista e um dançarino para mostrar que, por mais enorme o alcance, as conexões são, em tal dança, inevitáveis.
